Ninguém duvida que o Renascimento foi um período de renovação. Porque, embora a sabedoria clássica tenha sido preservada na Idade Média, Foi no Renascimento que os seus conceitos artísticos e filosóficos foram recuperados e reinterpretados, a ponto de configurar um novo panorama cultural.. Os artistas da Renascença tinham plena consciência de que a sua época era uma época de renovação. Uma língua recuperada para um novo mundo.
É em Florença, no início do século XV, que ocorre a mudança. Especificamente, o concurso para desenhar as portas do Batistério é um ponto de viragem para as artes. Vários artistas participaram, mas apenas Filippo Brunelleschi (1377-1446) e Lorenzo Ghiberti (1378-1455) permaneceram como finalistas, que finalmente ganharam o prêmio. Atualmente, os relevos apresentados por estes dois artistas estão preservados no Museu Florentino Bargello.
Brunelleschi e Ghiberti foram os primeiros, mas há muitos mais. Quais são os nomes que lideraram esta grande mudança cultural? Abaixo você encontrará a vida de 5 dos mais importantes artistas renascentistas, cujas obras foram fundamentais para a construção dessa nova linguagem artística.
Artistas renascentistas para ter em mente
Quando nos pedem para nomear um artista, provavelmente o primeiro que nos vem à mente é um dos grandes nomes do Renascimento italiano. E esses criadores têm uma reputação justa; Não só porque participaram de um dos momentos cruciais da história da arte, mas porque representam a plenitude do intelectual e do artista, reunindo diversas competências na mesma pessoa.
A maioria dos artistas renascentistas eram arquitetos, pintores e escultores, com menção especial a Leonardo da Vinci e Michelangelo Buonarroti, autênticos “homens da Renascença”. Vejamos a seguir quais foram as contribuições de todos eles.
1.Filippo Brunelleschi (1377-1446)
O primeiro grande nome que devemos mencionar é Filippo Brunelleschi, um dos grandes intelectuais do Renascimento. Após a derrota no concurso do Batistério, Brunelleschi viajou para Roma, onde estudou as ruínas da cultura romana antiga. Vinte anos depois, regressou a Florença e participou no concurso para o desenho da cúpula da catedral de Santa Maria del Fiore. Nesta ocasião, Brunelleschi ganha e recebe a encomenda, felizmente para a história da arte, já que a sua cúpula é um verdadeiro marco na arquitetura ocidental.. O Renascimento havia começado e, com ele, a intelectualização da arte.
Brunelleschi demonstrou que poderia construir uma cúpula sem a necessidade de cimbres ou andaimes. O resultado foi surpreendente; Nada parecido havia sido visto desde a construção do Panteão de Agripa em Roma, no século II dC. Recentemente, um modelo em escala da cúpula apareceu na extensão do Museu da Ópera Duomo, em Florença, que é possivelmente o modelo com o qual Brunelleschi. deu a sua demonstração ao júri do concurso.
Por que Brunelleschi é um dos grandes nomes do Renascimento florentino? A resposta é clara. Com a construção desta cúpula cria-se um ponto de viragem na arquitecturapois conseguia cobrir um espaço de 43 metros de diâmetro, dimensões que, em séculos anteriores (desde o Panteão de Agripa) ninguém conseguia cobrir.
Por outro lado, Brunelleschi será quem codificará a perspectiva matemática, pela qual todas as linhas convergem para um único ponto de fuga. Esta inovação representou uma verdadeira revolução na representação do espaço e de facto continuou a ser aplicada até ao século XIX, altura em que as primeiras vanguardas puseram fim a este conceito de perspectiva.
Temos, então, Brunelleschi como o grande inovador do Renascimento. Não só é ele o responsável por uma cúpula cujo diâmetro é praticamente igual ao do Panteão (há apenas alguns centímetros de diferença) e cria as regras de perspectiva que lançarão as bases de toda a arte ocidental nos séculos seguintes, mas também, aplicou o quadrado e o círculo nas suas colossais criações, formas perfeitas segundo Vitrúvio (século I a.C.) e que foram recuperadas no Renascimento. Especificamente, podemos ver estas formas geométricas inseridas na cúpula da capela Pazzi em Santa Croce em Florença e na antiga sacristia ou panteão de Cosimo de Medici, o Velho.
2. Sandro Botticelli (1445-1510)
Um dos pintores mais destacados do Quattrocento Florença é sem dúvida Sandro Botticelli, um artista absolutamente comprometido com a escola filosófica do momento e que colocou a sua pintura ao serviço dos ideais do Neoplatonismo. Em torno da Academia Neoplatônica Florentina, patrocinada pelos poderosos Médici, moviam-se os intelectuais humanistas cujo trabalho estabeleceria as bases da ideologia oficial da época. Estamos falando de figuras da magnitude de Marsilio Ficino (1433-1499) ou Angelo Poliziano (1454-1494).
As teorias neoplatônicas da Academia Florentina convergem nas grandes obras de Botticelli. Especificamente, seu Nascimento de Vênus (1482-1485) é sua obra mais representativa.. Nele, o artista apresenta o nu de uma deusa pagã quase em tamanho natural, o que significou uma verdadeira revolução. Lembremos que, embora na Idade Média (e ao contrário do que se acredita) fossem representados nus femininos, estes tinham a ver com personagens do Antigo Testamento, especialmente com a figura de Eva. Já o nu de Botticelli mostra uma Afrodite radiante nascendo das águas, cobrindo modestamente os seios e os órgãos genitais, ao estilo da famosa Afrodite de Praxíteles (século IV a.C.).
O modelo por excelência de Botticelli, que o pintor utilizará para numerosos personagens de suas pinturas, é a florentina Simonetta Vespucci (1453-1476), uma bela jovem que representou o ideal renascentista de beleza feminina. Simonetta aparece não apenas em suas Vênus, mas também como Virgem entronizada e como figura alegórica da Verdade no painel A Calúnia de Apeles (1495). Sua morte prematura, quando tinha apenas vinte e três anos, contribuiu para aumentar sua idealização por Botticelli e seus demais admiradores.
O final do século XV é uma época sombria para a Florença de Botticelli. Porque seriam os anos da queda dos Médici e da ascensão ao poder da cidade do frade dominicano Girolamo Savonarola (1452-1498), figura perturbadora que perturbou o panorama cultural da cidade. Suas ardentes arengas contra tudo que é “superficial” enraizaram-se profundamente nos florentinos, que foram forçados a um período de austeridade sem precedentes em que eram acesas fogueiras (conhecidas como “fogueiras das vaidades”) onde eram jogados cosméticos, vestidos, joias e obras de arte. arte.
O próprio Sandro Botticelli ficou muito impressionado com a pregação do frade, a ponto de ele mesmo, com as próprias mãos, jogar algumas sobras no fogo. E, embora Savonarola tenha caído em desgraça e tenha sido enforcado em 1498, a estética da obra de Botticelli nunca mais foi a mesma e evoluiu para modelos mais devocionais.
3.Leonardo da Vinci (1452-1519)
Não há dúvida de que Leonardo é um dos artistas mais conhecidos, não só do Renascimento, mas de toda a história da arte. Filho ilegítimo de um notário, o artista formou-se na oficina de Andrea del Verrochio (1435-1488), artista multidisciplinar, que não só lhe ofereceu formação pictórica, mas também o imergiu em outras disciplinas como arquitetura, engenharia ou escultura. Esta sólida formação deu a Leonardo uma visão global que lhe permitiu destacar-se em múltiplas áreas.
Excepcional desenhista e grande intelectual, sua mente inquieta e curiosa contribuiu para que deixasse muitas de suas obras inacabadas, o que possivelmente foi o motivo pelo qual não foi escolhido como um dos responsáveis pelas pinturas da Capela Sistina. Decidido a ganhar a vida como engenheiro, Leonardo oferece seus serviços a Ludovico Sforza, duque de Milão, numa longa carta que o artista apresenta como o que hoje chamaríamos de curriculum vitae. No final da carta o artista faz uma breve referência à sua condição de pintor e, curiosamente, é para esta função que finalmente é contratado.
Em Milão realizou aquela que seria uma de suas maiores obras, a Última Ceia no refeitório de Santa Maria delle Grazie. Infelizmente, a obra sofreu graves problemas de conservação durante a vida do artista, pelo que teve de ser intervencionada logo após a sua conclusão. As preocupações incontroláveis de Leonardo têm muito a ver com isso, o que o levou a investigar constantemente novos processos de criação. Assim, para criar a obra, o pintor experimenta a combinação de água e óleo, o que, a longo prazo, se revelou fatal para a preservação da pintura..
Como pintor, Leonardo ocupa um lugar de honra na história da arte. Entre as suas obras mais conhecidas estão as duas versões de A Virgem das Rochas (uma conservada no Museu do Louvre e outra na Galeria Nacional) e os seus extraordinários retratos, dos quais A Mona Lisa é provavelmente a sua obra mais famosa. . Fama que, aliás, contribuiu para aumentar o notório roubo da obra, ocorrido em 1911 e que fez a Mona Lisa aparecer em todos os jornais e revistas do mundo.
4. Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
Michelangelo é, sem dúvida, um dos grandes gênios da história da arte. O seu talento foi utilizado em inúmeras disciplinas, embora se tenha destacado sobretudo na escultura. Na verdade, se pensarmos numa obra-prima da escultura em geral, provavelmente nos virão à mente David, a Pietá vaticana ou Moisés. Mas também, Não esqueçamos que um dos grupos pictóricos mais importantes da história da arte são os afrescos da Capela Sistina, e que uma das grandes obras arquitetônicas do Renascimento é a cúpula de São Pedro no Vaticano, ambas realizadas pelo Gênio florentino.
Michelangelo vinha de uma família rica e, como era de se esperar, seu pai não gostava de sua dedicação à arte, que ainda era considerada um “comércio mecânico” em sua época, comparável ao realizado pelos artesãos. Porém, já muito jovem encontramos Michelangelo treinando com Domenico Ghirlandaio (1448-1494), um dos mais destacados pintores do Quattrocento florentino.
Mas Michelangelo deixou bem claro que sua verdadeira vocação era a escultura. Logo deixou a oficina do mestre para ingressar no jardim de esculturas dos Médici, dirigido pelo escultor Bertoldo di Giovanni, discípulo de Donatello. Sua arte chamou a atenção de Lorenzo de Medici, que o acolheu e se tornou seu principal apoiador. A morte do Magnífico e a ascensão ao poder de Girolamo Savonarola impactaram profundamente Michelangelo, pois o jovem, que naquela época era praticamente um adolescente, de repente se viu sem a figura paterna que Lorenzo de Medici representava, numa Florença convulsionada. pelas pregações do frade dominicano.
Depois da sua primeira estadia florentina viajou para Roma, onde criou o Baco para o Cardeal Riario que hoje podemos ver no Museu Bargello. Também desta época é a execução da magnífica Pietá vaticana, que ele esculpiu para outro cardeal. Contudo, o verdadeiro objetivo de Michelangelo era obter uma comissão papal. Não conseguindo, em 1501 deixou a Cidade Eterna e regressou a Florença, onde criou uma das suas grandes obras: David.
Foi durante a sua segunda estadia romana que recebeu o que considerou a comissão da sua vida: o túmulo do Papa Júlio II, um templo independente concebido para a antiga Basílica de São Pedro no Vaticano, decorado por quarenta esculturas. ás em mármore. Michelangelo põe-se a trabalhar com verdadeiro entusiasmo, mas infelizmente para ele o pontífice muda de ideias e decide passar à posteridade com a construção da nova Basílica de São Pedro.. A ambiciosa comissão é, portanto, cancelada.
Como compensação, o papa oferece ao artista a execução dos afrescos da abóbada da Capela Sistina. Michelangelo parece descontente; Ele é um escultor, não um pintor. Mas os seus protestos são inúteis; Júlio II é inflexível e Michelangelo é obrigado a criar os afrescos pelos quais ficará para a história e aos quais dedica praticamente todas as horas do dia.
A encomenda cancelada do túmulo foi finalmente realizada de forma simplificada, a pedido da família della Rovere, à qual pertencia o pontífice. É neste monumento que podemos encontrar o famoso Moisés, que serviu de modelo para inúmeras esculturas posteriores..
Durante a sua última estadia em Florença, Michelangelo voltou a trabalhar para os Médici, para quem desenhou os túmulos da Nova Sacristia de San Lorenzo e da Biblioteca Laurentiana. Os últimos anos de sua vida foram passados em Roma, onde projetou a cúpula da Basílica de São Pedro, no Vaticano, além de outras obras, como a Pietà Rondanini, na qual trabalhou até poucos dias antes de morrer, pouco depois antes de seu aniversário.
5. Rafael Sanzio (1483-1520)
Era filho de um modesto pintor, mas logo se destacou na arte da pintura como criança prodígio. Iniciou sua formação artística como discípulo de Pietro Perugino (1446-1423), e logo seu talento excepcional chamou a atenção de Bramante (1444-1514), que o colocou sob sua proteção em Roma.
Será nessa cidade que o Papa Júlio II o encomendará para fazer aquela que é provavelmente a sua obra mais famosa: os afrescos das salas papais. O mais conhecido é o da Stanza della Segnatura, em que Rafael representa os principais pensadores da escola ateniense e que constitui uma obra intimamente ligada à mentalidade renascentista..
Muitos dos rostos dos filósofos representados correspondem a artistas da época, como Leonardo (representado como Platão por Rafael) e Michelangelo (representado como Heráclio). Este último foi incluído mais tarde, depois que Rafael contemplou os maravilhosos afrescos que havia feito na abóbada Sistina e ficou cativado por seu talento. É conhecida a admiração que o urbino sempre sentiu por Michelangelo, embora nem sempre o destinatário do seu fascínio ficasse satisfeito. O historiador de arte Anthony Blunt (1907-1983) recolhe uma carta escrita por Michelangelo na qual reclama que tudo o que Raphael sabe sobre arte aprendeu com ele.
Ao contrário de Botticelli, o cânone de beleza feminina que Rafael capta (principalmente, em suas Madonas) não é inspirado em nenhuma mulher específica. O artista urbino compõe um rosto ideal a partir de um oval facial perfeito onde se destacam traços totalmente equilibrados e idealizados.. Talvez seja esta presença quase etérea que confere às virgens de Rafael esta beleza incomparável.
Rafael Sanzio morreu muito jovem, com apenas 37 anos, quando gozava de plena maturidade criativa. Por isso, a sua obra é menos extensa que a de alguns dos seus contemporâneos, embora não seja menos importante. Muitos pintores posteriores (especialmente Jean-Auguste-Dominique Ingres) consideraram-no o mestre dos mestres, e o movimento pré-rafaelita do século XIX tomou a sua obra como referência para a mudança radical que a arte ocidental sofreu no século XVI.
